Cantos Semana Cultural (Martes - Pastoral)

Chicos del Coro,
Por favor revisar estos enlaces y aprenderse las canciones para el miércoles ya poder ensayar.

Links
Ciudadano del infinito
Arriesgate
Grita Profeta

Atte.
Prof. Wagner Guerrero

Tema de las Olimpiadas 2016

Chicos escuchen el tema y apréndanlo para que acompañen a su curso!!
Gracias Paola Martinez y Barbara Plazarte por su gran esfuerzo.


Link Tema


Si van a descargarlo, pueden dar clic en los tres puntos seguidos que aparecen en la parte superior derecha y dar clic en descargar!!

Gracias por su atención.

Atte.

Prof. Wagner Guerrero

Tema Olimpiadas 7mo de Básica

Aquí la versión Karaoke del tema de Paola Martinez, dar clic en la palabra original y karaoke y después en el símbolo de descarga, (La flecha hacia abajo)


Original

Karaoke

Familia de Instrumentos Musicales

Clasificación de los Instrumentos Musicales por familia

Ya vimos que existen 3 familias básicas : Cuerdas, Percusión y Vientos. Estas se pueden subdividir en nuevas subfamilias:

Instrumentos de viento

Se caracterizan porque el sonido que emiten se produce por la vibración del aire en el tubo. Lo que les diferencia entre sí es la forma en que consigues que la columna de aire entre en vibración. Nos centraremos en los siguientes grupos: 

De madera: como su nombre indica, la mayoría están construidos en este material. Y decimos la mayoría porque hoy en día algunos se hacen en metal. Están compuestos por un tubo con agujeros que se irá tapando con los dedos o con llaves para emitir distintos sonidos. Estos instrumentos tienen en su interior una lámina muy fina que, cuando la soplas, vibra contra una pared y suena. Pueden tener embocaduras diferentes y esto es lo que provoca que el sonido que producen varíe. Distinguimos entre: 

Embocadura de bisel: flauta travesera y flauta dulce.

Embocadura de lengüeta simple: clarinete.

Embocadura de lengüeta doble: oboe y fagot.

De metal: construidos en metal, producen un sonido mucho más variado. Están compuestos por un tubo de forma cilíndrica que, en algunos casos, se enrolla sobre sí mismo. Son de metal la trompeta, la tuba, el trombón , el corno, el saxofón y la trompa.

Instrumentos de cuerda

En este caso no es el aire el que vibra produciendo sonidos, lo que suena es una o varias cuerdas cuando las haces vibrar. 

Existen diferentes técnicas para producir el sonido, pero nos centraremos en los siguientes grupos:

Frotando las cuerdas: el violín, la viola, el violonchelo y el contrabajo. Todos ellos cuentan con un arco para frotar las cuerdas, siendo éste diferente en cada uno. El del violín, es largo y fino; y el del contrabajo, corto y grueso.

Pulsando las cuerdas: emiten el sonido cuando punteas las cuerdas. Puedes hacerlo con los dedos o con una púa. Cada cuerda suena de manera diferente cuando la pulsas. Piensa en el arpa, la guitarra, la mandolina o el laúd.

Casi todos los instrumentos de cuerda cuentan con una caja de resonancia, que sirve para amplificar el sonido y para enriquecer el timbre.

Instrumentos de percusión

En esta ocasión el sonido se produce porque golpeamos un cuerpo sólido que hacemos vibrar y, por lo tanto, suena. Esta familia tiene mucha variedad de timbres que acompañan fácilmente a otros instrumentos musicales. 

Los golpes se pueden efectuar con escobillas metálicas, palillos de madera o incluso con las mismas manos.

Se dividen en dos categorías: 

Instrumentos de sonido determinado (Melódicos): son capaces de dar diferentes notas y el más utilizado es el timbal, que puede contener un pedal mediante el que cambiamos su afinación. Otros instrumentos son el carillón, el xilófono y el metalófono.

Instrumentos de sonido indeterminado (Rítmicos): no son capaces de dar ninguna nota precisa, sencillamente emiten un sonido. Ejemplos son la caja, el bombo, los platos y el triángulo.

Su sonoridad contribuye a dar emoción y dramatismo a cualquier pieza musical y suelen tocarse en una orquesta o una banda porque casi no hay composiciones musicales para ellos solos.

¿Qué es un coro y cómo funciona?

En este documento, queremos dar una idea básica de la estructura de un coro y dar información acerca de sus componentes y funciones.

Tipos de voz

Un Coro se forma a partir de un grupo de cantantes que poseen voces distintas y que se clasifican de la siguiente manera, en función de su tesitura. De este modo podemos distinguir (grosso modo):

• Sopranos: las mujeres con la voz más aguda del coro, tienen un timbre claro y brillante y suelen llevar la melodía. Ejemplos: Montserrat Caballé, Isabel Rey, Celine Dyon, Mariah Carey…
• Contraltos: las mujeres con la voz más grave; su timbre es más oscuro y cálido que el de una soprano, por lo que alcanzan las notas más bajas. Ejemplos: Chabela Vargas, Annie Lennox…
• Tenores: los hombres con voz más aguda, tienen una voz redonda y timbrada que alcanza notas altas. Ejemplos: Alfredo Kraus, Plácido Domingo, Luis Miguel…
• Barítonos y Bajos: Los hombres con voz más grave (los bajos, la más grave de todas), su timbre es muy oscuro y suelen llevar el ritmo en varias canciones. Ejemplos: Carlos Álvarez, Louis Amstrong

Luego, existen subclasificaciones dentro de estos grandes grupos, tales como soprano lírico-ligera, mezzosoprano, tenor lírico, tenor romántico, barítono cantábile, bajo profundo… además de voces como la del contratenor que usa una técnica llamada “falsetto” para llegar a notas muy agudas con timbre de contralto o soprano (como los BeGees ;)).

Distribución de las voces

La forma de colocar las voces en un coro suele seguir un esquema fijo para la mayor parte de los coros y las canciones de repertorio coral. En general, es algo así:

Esta colocación permite que cada una de las voces esté colocada en un bloque compacto que da seguridad a cada persona, individualmente y proporciona mayor potencia al conjunto en general. Sin embargo, tiene ciertos inconvenientes que se solventan recurriendo a otras alineaciones.

Así, tenemos otra alineación que usamos bastante en nuestro coro: “distribución por cuartetos”. En esta disposición, los integrantes del coro se colocan formando pequeñas unidades llamadas cuartetos

 

de esta forma, los cantantes están más aislados pero pueden escuchar mejor al resto de las voces. Esto es algo que favorece una afinación más perfecta en partituras especialmente difíciles.

Aparte de éstas, si la canción lo requiere, se pueden usar tantas distribuciones distintas como se quiera y de forma estática (en el sitio) o dinámica (cantando mientras se camina) creando varios efectos en función de las posiciones que ocupen las voces.

Función del director

El director de un coro es el elemento más importante. Como se puede suponer, su función no consiste sólo en mover las manos delante de un grupo de gente que canta.

Básicamente, un director de coro tiene la función de seleccionar el repertorio de canciones, enseñar cómo deben cantarse y procurar que se canten como él quiere. Para ello dispone de los ensayos en los que da los múltiples matices que requiere una partitura bien interpretada (tales como pianos, stacattos, crescendos…) y coordina el coro de tal forma que la afinación sea perfecta en todo momento. Durante un concierto, lleva el ritmo y la velocidad de interpretación para que todos los cantantes estén coordinados y se apoya en la expresión facial para contribuir a una mayor expresividad de las piezas.

En general, un coro es bueno si tiene un buen director.

Términos específicos

Tesitura: Tipo de voz y timbre de una persona

Registro: Extensión de notas que puede dar un cantante. Suele darse la nota más grave y la más aguda

– Modificadores en una partitura:

Modificadores de volumen y expresión

• Pianissimo: cantar a volumen muy bajo
• Piano: cantar a volumen bajo
• MezzoForte: volumen normal
• Forte: volumen alto
• Fortissimo: volumen máximo
• Sotovocce: en voz baja, susurrada
• Stacatto: dar las notas a golpes, separadas entre sí
• Legato: unir las notas, dando cada una como progresión de la anterior
• Crescendo: aumentar progresivamente el volumen
• Decrescendo: disminuir progresivamente el volumen
• Sforzando: Forzar la intención en una nota o sección de la partitura

Modificadores de tempo (velocidad de interpretación)

• Adagio, Lento, Lentíssimo… : tempos lentos, cada cual con su matiz
• Alegro, alegretto, vivo… : tempos rápidos

La técnica del canto (grosso modo)

Cuando escuchamos a cantantes profesionales, nos da la sensación de que son personas tremendamente privilegiadas por tener voces únicas en el mundo. Parece que siempre hayan cantado así… nada más lejos. Cualquier persona, con la dedicación suficiente, puede llegar a adquirir un control semejante de la voz.

Nuestra voz es como un instrumento musical más. Obviamente, si nunca en tu vida has tocado un violín, la primera vez que intentes arrancarle el sonido a uno parecerá que intentas sacar el sonido a un gato furioso. El problema que tiene la voz es que estamos acostumbrados a usarla continuamente para hablar y para gritar; para aprender a utilizar nuestro instrumento, debemos empezar desde el principio y “olvidarnos” de que este instrumento es el mismo que usamos al hablar.

EL APRARATO FONADOR

Antes de nada, es conveniente que conozcamos nuestro instrumento y las partes de las que se compone. Aquí podemos verlo en un dibujo:

Bien, esto es de lo que disponemos para emitir sonidos. En realidad, el mecanismo fonador es muy sencillo; básicamente y en la práctica es algo así como una gaita. Tenemos una bolsa de aire que, al ser apretada, consigue que un tubo con membranas (Cuerdas vocales) emita sonidos. Eso es todo.

LA TÉCNICA (De abajo a arriba)

1: La inspiración

Este es uno de los elementos que hay que tener más presente a la hora de cantar, y uno de los que más cuesta educar. El motivo es que estamos acostumbrados a usarlo mal continuamente y desde hace mucho tiempo. Estamos plagados de vicios respiratorios que hay que eliminar para poder empezar a respirar bien.

¿Cómo debemos respirar?

Pues, para empezar, debemos pensar en una respiración profunda hacia abajo, es decir, imaginar que el aire llega a la parte del abdomen, no a la parte superior del tórax. Es lo que comúnmente se denomina “respirar con la barriga” (aunque, obviamente, los intestinos carecen de capacidad fonadora). Para conseguirlo debemos tener en cuenta que:

• Debemos vaciar primero de aire residual los pulmones (espirar todo el aire)
• El aire deberá entrar libremente, sin ser empujado
• No debemos subir los hombros al inspirar

A bastante gente le cuesta dar este primer paso, pero con una guía adecuada se aprende fácilmente. Es bueno fijarse en el modo en que respiramos cuando estamos relajados en la cama: en este momento el aire fluye tranquilamente y podemos observar (tumbados boca arriba) cómo la barriga (no el tórax) sube y baja reposadamente.

2: El control del aire

Ahora que ya tenemos cargados los pulmones con el aire, debemos aprender a sacarle partido. Para ello debemos usar el diafragma que es un músculo largo que presiona a los pulmones desde su base.

Para apreciar cómo se activa, fijémonos en los mecanismos automáticos e inconscientes (siempre son los mejores, porque no están viciados) como el reír o el toser. Cuando tosemos notamos como la zona que está por encima del ombligo se endurece, de hecho si tosemos o reímos mucho esa zona acaba doliéndonos. ¡Pues si duele es por la falta de práctica! Por eso en el canto debe realizarse una especie de “gimnasia respiratoria” que active esos músculos olvidados y nos permita un mayor control del aire.

Así pues, para cantar, debemos tener el diafragma “activado”. Con este músculo en tensión podremos reaccionar ante los matices de una partitura y dar la presión necesaria al aire para que tenga mayor volumen y alcance. Podemos imaginar nuestra gaita y su bolsa de aire: podemos apretarla a golpes y sacar sonidos entrecortados o presionarla de forma intensa y progresiva para obtener un sonido más potente.

Todo lo que se refiere al control de emisión de aire en el canto es una de las partes más complejas, sin embargo, es la que más diferencia a una persona que sabe cantar de un neófito.

Importante: un buen control del aire impedirá que nos dañemos la garganta al cantar y reducirá considerablemente la probabilidad de quedarnos afónicos (tanto al cantar como en la vida diaria).

3: Laringe, cuerdas vocales, lengua…

Ahora viene la parte de aprender el modo en que debemos dejar salir el sonido. Para empezar, hay que tener siempre en cuenta la relajación ya que, igual que respirando, toda la técnica del canto debe ser relajada y sin tensiones (de otro modo, podríamos dañar nuestro instrumento)

La mandíbula inferior (la superior no se pude mover) debe dejarse suelta, de modo que deje espacio en la zona posterior de nuestra boca, y la lengua debe quedar abajo sin obstruir el paso del aire. Debemos crear un tubo libre de obstáculos por el que pasará el sonido.

Las distintas vocales se articulan en la glotis (las cuerdas vocales) con ayuda de la lengua en el caso de la “i”. Por eso no hay que hacer cosas raras con la boca al cambiar de una vocal a otra. La apertura de la boca para cantar debe hacerse de forma vertical con un dibujo más o menos constante para todas y cada una de las vocales. De este modo permitimos que el sonido sea más homogéneo, que haya más relajación y que quede “estéticamente bonito” (muchas veces, lo que es bonito resulta también mejor a nivel práctico)

4: Los resonadores

Para que el sonido no solamente salga de nosotros sino que alcance a todo el público debemos aprender a usar los resonadores de que disponemos.

Los resonadores (como su nombre indica) son partes de nuestro cuerpo que hacen la misma función que la caja de una guitarra o el cuerpo de un piano: dar amplitud al sonido. Básicamente son tres:

• El pecho: Es el resonador de base, que se utiliza sobre todo en los graves (aunque en los agudos también debemos tenerlo presente) y que se manifiesta por una vibración en el tórax cuando emitimos el sonido.
• La máscara facial (nariz y aledaños): Este es el resonador que da belleza y timbre al sonido, y en el que nos apoyamos para dar los agudos. Para comprobar que se utiliza podemos emitir sonido con la boca cerrada (una “m”) y comprobar cómo nuestros labios y el puente de la nariz vibran (si se hace correctamente, el picor en los labios es considerable). Para aprovecharlos al máximo y sacarles un buen partido ¡sonríe!. Es agradable a la vista y consigue un sonido más hermoso.
• La cabeza: Sí, también es un resonador. Su utilidad es de refuerzo del sonido y de amplificación. No es algo que se pueda controlar conscientemente, simplemente está ahí; sin embargo, si nos puede servir concentrarnos en elevar el sonido a la zona de la cabeza de forma imaginaria como imagen mental que nos ayude a usar mejor el resonador facial.

EN RESUMEN

Respiración, relajación del cuerpo con tensión sólo en el diafragma y emisión consciente y controlada apoyada en los resonadores. Parece fácil ¿no? Bien, pues como se dice en la tele: “no intenten hacer esto en su casa” y no es ninguna tontería, puesto que una mala aplicación de la teoría puede ser perjudicial y hacer que nos fastidiemos la voz.

Es importante tener en cuenta que estos pequeños consejos son una brevísima introducción a la teoría del canto.

Canción Tú eres pura.

Estimados estudiantes les pongo el link que encontré de la canción, es una versión fácil para que sea rápida de aprender, practiquen.Den clic en el enlace abajo de este texto

Link Canción

¿Cómo podemos aprender a leer notas musicales?

¿Cómo podemos aprender a leer notas musicales?

Las notas musicales son parte del lenguaje que los músicos utilizan para hablar entre ellos. Las notas te indican muchas cosas sobre las piezas musicales. Te dicen el nombre de las notas que debes tocar, el tono al cual tocar la nota y por cuánto tiempo tocarla. Aprender a leer y escribir con notas musicales puede ayudarte a mejorar tus habilidades musicales y te permitirá tocar cualquier partitura que encuentres.

Instrucciones

1.       1

Familiarízate con el pentagrama musical. Un pentagrama consiste de cinco líneas y cuatro espacios que representan los nombres de las notas. Las líneas situadas arriba o debajo del pentagrama son llamadas notas adicionales. Estas líneas indican versiones más agudas o más graves de las notas incluidas en el pentagrama. Las cinco notas en el pentagrama agudo son mi, sol, si, re y fa y los espacios son fa, la, do y mi. Las líneas en el pentagrama grave son sol, si, re, fa y la y los espacios con la, do, mi, sol. La forma más sencilla de recordar estas líneas y espacios es asignando una frase o una palabra que te ayude a recordarlas.

2.       2

Aprende a reconocer las notas adicionales en el pentagrama. La última línea en el agudo es fa. El espacio arriba será sol y la primer línea adicional será la. Esto significa que las líneas colocadas arriba del pentagrama siguen el alfabeto musical hacia arriba. Las líneas adicionales inferiores siguen las notas musicales hacia abajo. Las mismas notas que utilizas en el pentagrama se repiten una y otra vez.

3.       3

Reconoce los elementos musicales básicos y practica contándolos. La música se divide en compases (tiempos) compuestos de una combinación de valores de nota. Estos valores de nota incluyen notas redondas, blancas, negras, corcheas y semi-corcheas. En el tempo musical más usual, una nota redonda se sostiene durante un compás completo (cuatro tiempos). Una nota redonda es un pequeño círculo blanco. Una nota blanca mide la mitad del tiempo que una nota redonda y por lo tanto dura dos tiempos. Es similar a la nota redonda con la excepción de que tiene una varita unida a ella. La nota negra equivale a un tiempo. Es igual a una nota blanca con la excepción de que el círculo es de color negro. Una corchea es medio tiempo y es similar a una nota negra, pero tiene una pequeña coma unida a la varita. Las notas colocadas en la tercera línea o más arriba tienen la varita del lado izquierda, apuntando hacia abajo. Todas las demás notas tienen la varita del lado derecho y apuntando hacia arriba.

4.       4

Encuentra una tabla básica de notación musical y tenla a la mano para que memorices los nombres y los valores de las notas. Estas son las bases para leer y escribir música. Puedes aprender teoría musical después, si lo deseas, pero memorizar estas bases te permitirá entender la música escrita e incluso escribir melodías simples.

Escala Musical

Valores de Notas y Silencios

Ejemplo de Valoraciones

Wagner Guerrero R.
Prof. Música.
UEBLI 2015